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Une guerre à corps perdu, une guerre au corps à corps – Léonard De Carvalho

Benoit Lavigne tire de Guerre, roman de Louis-Ferdinand Céline publié à titre posthume en 2022, un monologue de plus d’une heure, représenté au théâtre du petit Saint-Martin. L’enthousiasme du festival d’Avignon 2023, durant lequel j’ai découvert cette première adaptation du roman de Céline, se retrouve à Paris.  

Voici l’intrigue : Ferdinand, jeune soldat déserteur, est témoin des atrocités de la Première Guerre mondiale. Malice et opportunisme lui permettront de sortir de l’enfer. La pièce s’ouvre sur le champ de bataille et raconte la convalescence du jeune soldat.

Le plateau est nu, et ne laisse qu’un tabouret à cour. Une toile disposée au lointain offre un dégradé de gris et de rouge orangé. L’image évoque immédiatement le front, et précisément une tranchée, composée de la noirceur des effluves d’obus et de l’orangé d’un crépuscule sans fin. La mise en scène, grâce à une lumière feutrée et tamisée, peint l’atmosphère poisseuse d’un champ de ruines où l’esprit s’égare. Les jeux de lumière figurent tantôt un hôpital de fortune où sont soignés les soldats, une prison dont les jeux d’ombre figurent les barreaux, un bar miteux de la ville. Le comédien, qui donne sens à ce décor métaphorique, se trouve là, recroquevillé dans son habit de soldat trop grand, trop lourd, trop important pour lui. Le regard et les traits juvéniles peu à peu se dissipent pour exprimer la laideur, la violence et l’indicible de la guerre.

Benjamin Voisin réussit à saisir avec justesse la psyché devenue fragile d’un personnage envoyé à la mort. Le comédien, seul en scène, capte le public et le plonge dans son enfer pendant plus d’une heure. La mise en scène donne à voir les oubliés de la guerre, tous ceux qui ne voulaient pas la faire, ceux qui sont partis au front ou qui sont prêts à tout pour le fuir. La jeunesse y est déjà vieille et mutilée, et c’est un enfant pourtant qui se découvre encore sous ce costume de guerrier, un enfant qui en croise un autre et s’en fait un ami, un clown triste surnommé Cascade. Ferdinand, c’est aussi un adolescent qui explore une sexualité débridée, dénuée d’amour, qui se découvre, ou plutôt se soumet aux pulsions des autres, eros et tanatos confondus. C’est finalement un jeune adulte qui accepte d’être médaillé de l’horreur pour rendre fiers ses parents. Benoit Lavigne réussit ainsi à portraiturer une jeunesse perdue, ni glorieuse ni volontaire, en proie à la désespérance dans un monde anarchique où la survie ne sourit qu’aux chanceux, qu’aux lâches peut-être ? 

Benjamin Voisin transmet la peur qu’il incarne avec brio : elle se dévoile peu à peu, elle dévore le comédien, lui tord le ventre. Ferdinand crache ses tripes sur scène, vomit, étouffe. Son corps est comprimé par l’horreur, par l’affront de la lâcheté et du mensonge, mais surtout par la culpabilité du survivant. Cette ambivalence et cette fragilité se retrouve dans la voix du comédien, une voix de jeune homme déjà rocailleuse et vibrante. La variété des regards de l’acteur compose cette ambivalence : il oscille entre malice et tristesse, et incarne plusieurs personnalités parfois contradictoires – femmes, hommes, traîtres, soldats, déserteurs, lâches, héros.

© Théâtre du Chêne noir
https://www.chenenoir.fr/event/guerre/

Après Avignon, donc, c’est à Paris que la salle s’est levée pour ovationner la pièce et le comédien, qui a transmis aux spectateurs un tourbillon d’émotions, entre horreur, fraternité, et empathie.   

Léonard de Carvalho 

Les visages de la douleur et du chaos sur la scène – Gabriel Federicci

Dans un décor minimaliste où seuls subsistent les décombres de la guerre, un jeune soldat révèle les blessures de son âme, les traumatismes de son expérience, et, submergé entre la douleur et le chaos, il dévoile les conséquences de sa survie, tout en traduisant l’ironie de la vie dans un monde réduit en cendres. C’est dans cet environnement sinistre, créé par la scénographie et les lumières de Seymour Laval, que le comédien Benjamin Voisin accueille son public au Théâtre Petit Saint-Martin. 

Guerre, adaptation du roman éponyme de Louis-Ferdinand Céline, a été transposé au théâtre sous forme de monologue. L’ambiance oscille entre l’existentialisme et le nihilisme, et cette atmosphère a été habilement captée par la mise en scène de Benoît Lavigne. Si la direction parvient à transposer l’univers particulier de Céline à travers les références littéraires, explorant les pulsions de vie et de mort, son véritable point fort réside dans sa capacité à éclairer les variations de l’âme qui résident en chaque être, surtout lorsqu’il est plongé dans les méandres de la mémoire et confronté à ses souvenirs, malgré ses pertes. En ce sens, l’auteur a fait de la maxime de Schiller « Quand l’âme parle, hélas ! l’âme ne parle plus » un moyen d’expression qui transcende les limites de la communication verbale, cet-à-dire de la pensée,  pour construire un tableau qui exprime visuellement le tourments de notre chair, comme une exposition de notre existence  fragmentée face à ce monde. 

Benjamin Voisin incarne plusieurs personnages évoqués par le souvenir du jeune soldat et les joue de manière caricaturale, parfois exagérée dans sa composition. Cependant, son récit est parfois teinté d’une certaine « distantiation » à la manière brechtienne, où il condense avec ironie les tourments qui découlent de la société, tout en exposant les masques qui nous entourent au moyen de gestes suggestifs. Ainsi, le grand atout du spectacle doit être attribué au travail du comédien, par son souffle et son élan dramatique, passant de la prétendue folie d’un jeune Hamlet aux limites de la lucidité face aux profondes réflexions que le texte suscite.

Dans ce jeu d’intensité, dans un contraste entre la lumière et les ténèbres, entre la conscience et l’inconscience, cette expérience révèle à quel point l’univers de l’adaptation d’un roman au théâtre est un défi, démontré ici par le succès de son langage scénique ainsi que par la vigueur de tous les éléments que nous avons eu le bonheur de voir sur scène.

Guerre est un écho poétique de tous ceux qui sont tombés entre les guerres, mais qui renaissent aujourd’hui dans les pages de l’histoire pour alimenter la flamme du soldat inconnu. 

© Théâtre de la Porte Saint-Martin
https://www.portestmartin.com/guerre

Gabriel Federicci

Représenter le handicap mental sur scène : le défi de Misericordia d’Emma Dante – Emilie Gauthier

Le handicap mental a quelque chose d’inexprimable, d’indicible, voire peut-être d’innommable. Tantôt objet d’incompréhension, de mépris et d’invisibilisation, il est bien souvent polymorphe et ne saurait se réduire à l’étiquette d’un syndrome et à liste figée de symptômes. Parce que le handicap a son langage et sa grammaire, il est un objet de fascination mais aussi de violents rejets qui courent de la moquerie aux comportements excluants et discriminatoires. Rares sont les représentations théâtrales qui tentent de donner à voir le handicap mental, que ce soit du point de vue du malade, de son entourage ou d’un tiers. Autre preuve, peut-être, du peu de visibilité que nos sociétés offrent au monde du handicap. Est-ce par peur, par prudence ou par ignorance ? 

Emma Dante explore quant à elle sans crainte, ni pudeur, ni maladresse, le monde intérieur du handicap mental dans une création théâtrale, chorégraphique et poétique au titre tendre de Misericordia. Simone Zambelli, danseur, y incarne le personnage (quasi) muet d’Arturo, un jeune homme souffrant d’un handicap mental, élevé et chéri par trois femmes dans une grande misère (Manuela Lo Sicco, Leonarda Saffi et Italia Carroccio). L’intrigue est simple : les trois femmes ne parviennent plus à s’occuper de l’enfant et se sont décidées à le confier à un mystérieux établissement spécialisé. 

En une heure, la pièce explore toutes les émotions que le handicap peut soulever en une vie. 

            Peur : que va devenir Arturo lorsque la fanfare viendra le chercher pour l’emmener loin de ses femmes qui sont sa famille ? 

            Incompréhension : pourquoi Arturo se balance-t-il comme ça, au rythme du cliquetis des aiguilles à tricoter de ses mères ? 

            Colère : Arturo saccage l’appartement et ne cesse de renverser les poubelles sur cette scène étroite et miteuse, qu’habillent juste quelques sacs et quatre fauteuils à bascule.

            Horreur : Arturo ne supporte pas qu’on hurle l’horrible récit de sa naissance, pleine de coups et de cris.

             Rire : Arturo va-t-il vraiment bouger chaque minute que dieu fait, même en dormant ? 

Soulagement : la boite à musique a enfin fini par calmer Arturo et le voilà tranquille. 

Fierté : je rêve, ou Arturo est en train de s’habiller tout seul ?

            Amour : Arturo parvient pour la première fois à dire « maman » lorsqu’on l’arrache à son foyer. 

C’est que la différence n’y est pas simplement représentée. Elle est dansée, chantée, célébrée dans ses joies comme dans ses peines. Elle guide la scénographie, est l’objet de tous les dialogues, s’incarne dans tous les gestes, dans tous les cris d’euphorie comme de détresse. Sublimée par les pas du danseur, elle ne fait plus peur. Elle ne fait plus rire. Elle devient le support d’un plaisir esthétique inédit où le geste prend le relais de la parole pour dire : 

Je suis humain car je vois ce que vous voyez, 

Je suis humain car je sens ce que vous sentez, 

et car j’aime en vous les choses que vous avez appris à aimer en moi. 

Au-delà de la détresse, de la peur et de la souffrance, Emma Dante rappelle avec tendresse et chaleur que le monde du handicap a ses larmes de joie et ses jours d’espoir. 

C’est la première fois que je vois une salle entière se lever pour acclamer un spectacle. Mais pas la dernière, car j’y retournerai. 

© Masiar Pasquali

https://www.theatredurondpoint.fr/spectacle/misericordia/

Emilie Gauthier

La parole cachée : Misercordia de Emma Dante – Nicole Botti

Sur la scène, le spectateur voit quatre chaises placées les unes à côté des autres : un espace épuré, quasiment vide, un garçon et trois femmes. Deux des femmes sont debout en train de parler à voix basse.  Visiblement, il y a conflit, et c’est a priori l’autre femme assise qui en est la cause. Et en effet, une dispute – du quotidien, banale en somme – explose quelques minutes après. Pourtant, jusque-là, aucun mot n’avait été prononcé clairement, ni aucune phrase articulée. Le spectateur ne peut que regarder la scène devant lui et se laisser porter par ces sons incompréhensibles, qui, de temps en temps, font rire la salle. 

C’est peut-être dans cette ouverture, ce dialogue initial sans paroles définies, que l’on peut voir le mode d’emploi de Misericordia, un spectacle de Emma Dante joué au théâtre du Rond-Point en italien, plus précisément en dialecte sicilien. Dans le reste de la pièce, les dialogues sont dosés et régulièrement brisés par la gestualité et les sons du travail de mise en scène. 

Les trois femmes de Misericordia, Anna, Nuzza e Bettina, sont des prostituées. Elles habitent un lieu indéfini en Sicile, dans un univers fait de violence, d’humiliation, de misère et d’avilissement. Avec elles habite Arturo, un garçon handicapé. C’est le fils de Lucia, feu leur amie et colocataire, battue à mort par le père de l’enfant lors de sa grossesse. Arturo est donc né orphelin et il a été élevé par ces trois femmes, dans cette maison étouffante, où on tricote le jour, et vend son corps la nuit.

Toutes les parties dialoguées transmettent le point de vue des femmes : c’est à travers leur récit que nous apprenons leur histoire, que nous revivons leur passé et connaissons leur présent. Anna, Nuzza et Bettina sont plongées dans cet univers de violence et de misère : on les voit osciller entre la résignation désespérée et le dégout pour leurs propres vies. Cette violence, cette misère se retrouvent non seulement dans leur récit, mais aussi dans leurs mouvements, dans leurs gestes, dans leurs disputes. Le garçon au contraire ne parle jamais, mais il occupe l’espace, il est tout temps en mouvement. C’est par les regards et les mouvements qu’il communique, créant une sorte de danse convulsive. Le comédien Simone Zambelli donne ici une performance remarquable, en réussissant à transmettre au spectateur un mélange de grâce et de drame par les seuls mouvements de son corps. 

Arturo, qui ne devrait être qu’un énième malheur pour touche ces trois femmes miséreuses, devient au contraire leur rayon de soleil : chacune a sa façon d’être la mère de ce garçon, et toutes les trois brillent de tendresse en prenant soin de lui, en le réprimandant, et même en s’en plaignant. 

© Masiar Pasquali

Finalement, la force et peut-être la faiblesse – selon les goûts – de cette mise en scène, c’est de réussir à mettre en évidence le non-dit. C’est exactement dans cette alternance de parole et de gestes que le spectacle nous parle, par l’accumulation d’images excessives, qui sont faites de couleurs vivantes, d’un nombre incalculable d’objets jetés sur scène et de corps imparfaits. C’est aussi grâce à ces comédiens capables de donner vie à cet univers à la fois cru et poétique, qu’Emma Dante crée une mise en scène intense, perturbante et puissante. 

Nicole Botti

 

https://www.theatredurondpoint.fr/spectacle/misericordia/

L’art du seul-en-scène maîtrisé, Guerre de Benoît Lavigne – Agathe Faucourt

Benoît Lavigne et Benjamin Voisin réussissent le pari d’adapter le roman inédit de Louis-Ferdinand Céline en un seul-en-scène puissant qui donne corps et voix aux antihéros de la Grande Guerre.

Théâtre du Petit Saint-Martin, 17.10.2023

Texte : Louis-Ferdinand Céline

Adaptation : Bérangère Gallot et Benoît Lavigne

Mise en scène : Benoît Lavigne

Avec : Benjamin Voisin

On le sait, l’exercice du seul-en-scène est un art complexe, en particulier lorsque le sujet abordé empêche, à priori, toutes notes d’humour. Guerre mis en scène par Benoît Lavigne et interprété par le césarisé Benjamin Voisin relève donc ici un double défi : adapter pour la scène une œuvre littéraire tout en captivant l’auditoire par l’entremise d’une distribution réduite à son minimum. Défi réussi pour Benoît Lavigne et Benjamin Voisin qui signent ici une très belle première adaptation du roman inédit de Louis-Ferdinand Céline retrouvé en 2021 et publié en grande pompe aux éditions Gallimard l’année suivante. 

Avant même le lever du rideau, le public est déjà plongé dans les tranchées fumantes de la Grande Guerre grâce à la scénographie de Seymour Laval. La fumée blanche qui s’abat vite, très vite, sur la minuscule salle du Petit Saint-Martin semble aussi faire office d’avertissement : préparez-vous à être enfumé nous dit-on, méfiez-vous des coups d’esbroufe. Or, justement, le héros de Guerre excelle en la matière, à tel point que le spectateur finit par douter que celui-ci mérite véritablement son titre de héros de guerre. Pour justifier sa couardise, le bien connu Ferdinand n’hésite pas à singer son entourage dans un récit haut en couleurs qui lui laisse toujours le beau rôle. 

Sur scène, un décor dépouillé laisse le champ libre à Benjamin Voisin pour déployer son jeu d’acteur caméléon : il incarne aussi bien les soldats traumatisés que les femmes qui égaient leur convalescence – Ferdinand et sa loyauté chancelante bien sûr, mais aussi le délicieux Cascade, à la jambe boiteuse et au sourire niais bientôt accusé d’avoir trahi la patrie, ou encore la peu scrupuleuse Mlle Lespinasse, infirmière de son métier atteinte d’un cas particulièrement prononcé de « e prépausal ». À chaque nouveau personnage, Benjamin Voisin fait peau neuve, transforme sa voix, sa gestuelle, son phrasé, investit son énergie, engage son corps et sa sueur pour donner à voir la félonie, l’égoïsme, et la noirceur de ces antihéros dont Céline a le secret. Proche de l’exploit, la performance est presque aussi étourdissante que prodigieuse. La mise en lumière très soignée – encore une fois signée par Seymour Laval – accompagne sans aucune fioriture le rythme effréné des métamorphoses de l’acteur. Le spectateur est embarqué d’un lieu à l’autre sans alourdir l’œuvre par des changements de décors superflus. En évitant tout excès de théâtralité, la mise en scène de Benoît Lavigne rend hommage au verbe célinien qui nous fait rire et pleurer autant qu’il nous écœure. 

Reste que la dernière diatribe de Ferdinand est peut-être celle de trop. La complexité de l’écriture célinienne a finalement raison de la scène : si elle nous tient en haleine au fil des pages, la langue tortueuse de l’écrivain finit par perdre le public une fois retransmise sur scène. Que dire aussi du parallèle que suggère le metteur en scène entre l’œuvre de Céline et la guerre en Ukraine ? Ferdinand n’a rien du soldat ukrainien – ou du moins, on l’espère – et c’est tant mieux. Il est le produit d’une époque qui tient encore pour vrai que la guerre suffit à tout pardonner, y compris un sexisme rance qui contaminait déjà les pages du Voyage au Bout de la Nuit. L’allusion au contexte politique nous paraît donc ici un peu trop hâtive. Le texte de Céline semble en effet trouver toute sa force dans sa particularité historique plutôt que dans sa prétendue résonance.

© Théâtre de la Porte Saint-Martin
https://www.portestmartin.com/guerre

Agathe Faucourt

Trouver le cœur dans la misère dans Misericordia d’Emma Dante – Agathe Faucourt

Théâtre du Rond Point, 14.10.2023 

Texte et mise en scène : Emma Dante

Avec : Italia Carroccio (Bettina), Manuela Lo Sicco (Nuzza), Leonarda Saffi (Anna), Simone Zambelli (Arturo)

Lumières : Cristian Zucaro

Malgré la noirceur de son titre, Misericordia commence dans la légèreté et l’humour : Anna, Nuzza et Bettina, trois italiennes qui vivent sous le même toit se chamaillent pour une histoire de sandwich. Expertes dans l’art du comique de geste, les trois comédiennes ne tardent pas à faire sourire l’ensemble de la salle. Que le spectateur non-italianisant se rassure : si quelques échanges se perdent au gré des piques que s’échange le trio de comédiennes, l’expérience n’en sera que plus authentique. Emma Dante affirme en effet que le public italien a parfois lui-même du mal à saisir l’ensemble des dialogues de son œuvre puisque celle-ci fait non seulement usage de plusieurs dialectes mais tend aussi à remplacer le mot par le geste. 

Tout aussi délicieuse à entendre et à voir donc, la querelle initiale est pourtant loin d’être anodine, en témoigne la sobriété du décor. Encerclées par une multitude d’objets de peu de valeur, les quatre chaises choisies par Emma Dante ne parviennent pas à combler l’espace de la vaste scène du Théâtre du Rond Point et laissent planer une impression de vide et de manque. Et c’est dans cette misère que nos trois italiennes doivent élever Arturo, l’enfant de leur quatrième colocataire de fortune décédée peu de temps après avoir donné naissance. Devenues mère à trois têtes, Anna, Nuzza et Bettina sont prêtes à tout donner – y compris leurs corps qu’elles vendent aux passants pour quelques billets – à cet enfant qui ne parvient ni à communiquer ni à contrôler ses mouvements. Mais à l’image des tourbillons sans fin dans lesquels nous embarque l’interprète d’Arturo, l’impressionnant Simone Zambelli, danseur de formation, le jeune orphelin a besoin de plus et de mieux pour guérir les blessures d’une naissance placée sous le signe de la violence conjugale. Nos trois mères de substitution acceptent donc un ultime sacrifice, une privation impensable : confier l’être qu’elles aiment sans condition à des mains plus aptes et moins miséreuses. La séparation, soulignée par une musique de fanfare entêtante, est tout aussi déchirante que porteuse d’espoir. Le renoncement parfaitement désintéressé de ces trois femmes signe peut-être le salut d’Arturo. C’est là tout l’art du texte et de la mise en scène d’Emma Dante : trouver le cœur dans la misère à l’heure où la société contemporaine cloisonne la différence et récompense les comportements individualistes.

Sans conteste, Misericordia nous offre une réflexion poignante sur l’essence même de l’altruisme. Réflexion qui aurait sans doute encore gagné en profondeur et en fragilité en confiant le rôle d’Arturo à un acteur lui-même atteint du handicap qui accable le personnage. On retiendra toutefois la justesse des chorégraphies de Simone Zambelli qui parviennent à esthétiser l’infirmité du corps et de l’esprit sans jamais les singer. 

Critique rédigée le 23 octobre 2023 par Agathe Faucourt

Le Cocon d’Arturo ou la découverte de soi-même- Gabriel Federicci

Une nouvelle chorégraphie envahit la scène du Théâtre du Rond Point, bien qu’il ne s’agisse pas d’un spectacle de danse. La pièce Misericordia d’Emma Dante, une production du légendaire Piccolo Teatro de Milano, est un tremplin de l’Italie vers la France, nous offrant une vue d’ensemble de la gestuelle précédant la parole elle-même, en route vers le développement d’un code de communication, y compris éthique, qui traverse les portraits de la misère, de la solidarité et de la place de l’homme dans le monde.

Arturo est un jeune orphelin, sous la garde indirecte de trois femmes, Bettina, Nuzza et Anna, qui assument informellement le rôle partagé de sa mère. Arturo ne parle pas, mais s’exprime par les mouvements de son corps et est soumis aux sons extérieurs, telle une marionnette dépendante des coordonnées du marionnettiste pour agir. C’est ainsi qu’Arturo communique et découvre progressivement le monde qui l’entoure. De cette façon, la présence féminine dans le spectacle nous rappelle la pièce L’Île des Chèvres d’Ugo Betti. Alors que là-bas, il y a une référence implicite à la dépendance des trois femmes à l’égard d’un homme, Angelo, en ce qui concerne la recherche de la présence masculine dans leur vie à tous égards, frôlant la possession; ici nous remarquons que les femmes, bien qu’indépendantes, comblent leur existence en transfusant des sentiments et des soins à Arturo, même si cette tâche n’est pas entièrement spontanée. À un moment donné, l’une d’elles dit : « Arturo n’aurait pas dû naître. »

Dans Misericordia, il est possible d’identifier la misère humaine et en même temps la compassion qui découle de l’acte d’un don nécessaire, comme il est impératif dans la vie elle-même. Il s’agit des affects qui se cultivent et s’établissent dans la co-dépendance au sein d’une société qui n’a pas encore défini son rôle et son contexte en tant qu’humanité. C’est le monde dans lequel vivent ces créatures.

En ce sens, Arturo traverse différentes phases jusqu’à sortir de son cocon et jouir de la liberté de découvrir qui il est vraiment, en prenant son envol vers l’avenir, indépendamment de ses limitations physiques. 

Ainsi, le processus scénique de cette mise en scène a été développé selon un langage non naturaliste, résultat d’improvisations dans l’esprit de la Commedia dell’Arte et d’une création collective mêlant diverses formes d’art pour créer un spectacle vivant qui exprime le sens italien d’être et d’agir, tout en démontrant l’universalité de l’homme dans le dépassement de ses frontières. 

Emma Dante, en tant que dramaturge et metteuse en scène, a su révéler la machine qui nous anime et nous provoque. La performance est parfois épuisante, mais cet inconfort découle précisément de l’impossibilité d’anticiper la dimension du hasard, qui, à certains moments, réorganise le conflit qui se déroule sur cette île presque silencieuse, où les bruits orchestrent les premiers gestes d’une expansion que seule l’art du comédien peut couronner. 

Gabriel Federicci

Sur les ossements des morts de Complicité – Aida Copra

Le 09 juin  

Odéon Théâtre de l’Europe 

Avec Thomas Arnold, Johannes Flaschberger, Tamzin Griffin, Amanda Hadingue, Kiren Kebaili-Dwyer, Weronika Maria, Tim McMullan, César Sarachu, Sophie Steer, Alexander Uzoka 

(en raison d’un deuil, Kathryn Hunter doit abandonner son rôle pour l’ensemble des représentations parisiennes. C’est Amanda Hadingue qui interprète le personnage principal de Janina Duszejko, tandis que Tamzin Griffin reprend les rôles qu’Amanda tenait jusque-là)

Dans le livre d’Orhan Pamuk, Mon nom est Rouge, il y a une histoire qui s’appelle Moi, le chien. Elle est racontée du point de vue d’un chien errant qui observe les événements de la ville d’Istanbul en apportant un regard différent sur la condition humaine. « Les chiens parlent pour ceux qui savent les entendre », dit le narrateur. 

« Je veux te raconter une histoire », dit Amanda Hadingue au début du spectacle. Seule sur scène avec un micro et aucun décor, dans une demi-obscurité, elle revêt le rôle de Janina Doucheyko et se lance dans le récit d’une histoire inoubliable. 

Il nous semble que c’est une tentation irrésistible, pour Simon McBurney et sa compagnie Complicité, de se plonger dans l’art de la narration et de tisser les fils de l’imagination pour créer un récit captivant. Après The Encounter en 2018, Sur les ossements des morts signe le grand retour de la compagnie Complicité à l’Odéon. Et cette phrase « Je veux raconter une histoire », on l’a déjà entendue au début de The Encounter où Simon McBurney parle d’un photographe américain, Loren McIntyre, qui, en 1969, part en Amazonie pour rencontrer le peuple Mayoruna. Déjà ici, Simon McBurney développe les sujets qui sont également repris dans son adaptation du roman d’Olga Tokarczuk : le temps et l’infini, la nature et l’homme. Et il nous confronte à une question qui semble toujours guider sa vision du monde et du théâtre : comment raconter une histoire par rapport à l’espace-temps ?

Dans le roman Sur les ossements des morts, Olga Tokarczuk, prix Nobel de littérature 2018, nous parle de Janina Doucheyko, une femme de soixante-cinq ans, ingénieur à la retraite qui enseigne l’anglais dans une petite école au sud de la Pologne. Elle se passionne pour l’astrologie et l’œuvre de William Blake. Une nuit, quelqu’un frappe à sa porte. C’est le son qui « annonce » une série de meurtres étranges dans son village au cœur des Sudètes. Bigfoot, le voisin de Janina est mort. Sa mort par contre ne représente pas le début de l’histoire, elle n’est pas un « instant zéro », mais le point de coexistence qui relie tous les moments de l’histoire. La temporalité ne se limite donc pas à l’écoulement du temps, mais elle se construit à travers les moments particuliers

Toute la mise en scène est construite de manière à mettre en évidence le rapport entre le passé, le présent et le futur. Le premier moment particulier arrive dans l’apparition instantanée d’une photo qu’on voit sur l’écran du fond. Il s’agit de la photo que Janina trouve dans la maison de Bigfoot et dont l’importance sera révélée à la fin du spectacle. Le présent de Janina, le moment où elle nous raconte l’histoire, devient en effet le passé pour les autres. Elle a également un don particulier qui lui permet de prévoir le destin des hommes par l’étude des influences des astres. Les scènes qui suggèrent la présence des constellations évoquent aussi l’idée de l’Autrefois qui rencontre le Maintenant dans un éclair.      

©Alex Berner

https://www.theatre-odeon.eu/fr/drive-your-plow-over-the-bones-of-the-dead

En ce sens, on peut interpréter le mur du fond de la scène qui assume différentes fonctions. En tant que vitre, il sert à diviser l’espace scénique pour que le présent et le passé puissent se produire simultanément et coexister, ou bien, il introduit l’espace intérieur de Janina où l’on voit ses rêves. En tant que miroir, d’un côté, il oblige l’espace à se déformer en permettant au spectateur d’avoir simultanément le regard du côté de l’arrière-scène, et de l’autre, il crée des mouvements doubles en ce qui concerne la perception de l’espace. Dans la même optique, on peut envisager l’une des scènes qui, grâce aux dispositifs d’éclairage, évoque les courbures de l’espace-temps. 

Il est impressionnant d’observer de quelle manière les acteurs interagissent avec l’espace concret et l’espace imaginé, de quelle manière ils apparaissent sous nos yeux et comment ils passent d’un personnage à l’autre. La scénographie, aussi impressionnante que spectaculaire, caractérisée par une utilisation novatrice de la technologie, contribue à créer des scènes captivantes qui invitent le spectateur à observer le monde au-delà de son échelle. Car, « l’infiniment grand est contenu dans l’infiniment petit » – c’est le IX chapitre de Sur les ossements des morts – et « les atomes gardent en eux la mémoire de l’apparition de la vie, de la catastrophe cosmique qui fut à l’origine de la naissance du monde ».

Alors l’idée principale qui structure l’histoire pourrait être celle exprimée par Blaise Pascal : « Car enfin qu’est-ce que l’homme dans la nature ? Un néant à l’égard de l’infini, un tout à l’égard du néant, un milieu entre rien et tout ». Simon McBurney, à travers le roman d’Olga Tokarczuk, questionne l’attitude de l’homme qui se prend pour « un tout » dans ses liens avec l’environnement et le monde animal. Les traces retrouvées sur les lieux des crimes laissent penser que les meurtriers pourraient être des animaux, comme un signe de la vengeance sur les chasseurs. 

Comme dans le récit d’Orhan Pamuk, l’histoire est également racontée du point de vue des animaux. Pourtant, il ne s’agit pas d’anthropomorphisme, mais de la transformation des êtres humains en animaux : d’un côté, il s’agit de l’incorporation animale chez les acteurs – l’acteur incorpore le chien de Bigfoot – ; et de l’autre, de l’incorporation animale chez les personnages – les citoyens du village se déguisent en animaux lors d’un bal des férus de champignons, ou bien, les élèves se déguisent en animaux pour jouer dans une pièce qui illustre la vie de Saint Hubert, passionné de chasse. Ce dernier exemple offre l’occasion d’affronter une autre grande problématique : l’église et son rôle dans la société. 

Les vers de Blake deviennent aussi des moments particuliers qui introduisent presque chaque scène. « Conduis ta charrue par-dessus les ossements des morts » (Mariage du Ciel et de l’Enfer, William Blake) est l’un d’eux… C’est l’hiver et le village se prépare à célébrer la fête de Saint Hubert quand Janina prononce ces mot. À la fin du spectacle, elle reste seule sur scène entourée des hommes qui tombent un à un par terre par-dessus les ossements des morts.      

La nature et les animaux parlent pour ceux qui savent les entendre. Magnifique et extraordinaire ! Merci Complicité.

Aida Copra 

Sur les ossements des morts. Réflexions autour du « lien perdu de l’homme avec le monde naturel » – Silvia de Min

À l’Odéon, ce vendredi 9 juin, la compagnie Complicité, sous la direction de Simon McBurney, met en scène un roman qui est censé nous interroger sur « ce que signifie vivre en harmonie avec l’univers, et sur les conséquences périlleuses de la perte de notre lien avec le monde naturel » (déclaration de McBurney dans le programme de salle).

Complicité est une compagnie internationale itinérante qui a son siège à Londres. 

Le roman est le récit éco-féministe de l’écrivaine polonaise Olga Tokarczuk, prix Nobel 2018, et intitulé Sur les ossements des morts. 

L’histoire est simple : une femme sur la soixantaine, vit dans un petit village de la Pologne rurale. Elle était ingénieur, constructrice de ponts. À la retraite elle donne désormais des cours d’anglais, elle lit et relit William Blake, elle se plonge dans sa passion pour les astres et les horoscopes. Surtout, elle se consacre à son combat quotidien, avec néanmoins une dose de naïveté, pour l’environnement et la protection des animaux. 

Le petit village dans lequel elle vit est bouleversé par une série de meurtres : cinq chasseurs de cerfs et chevreuils, hommes du village souvent impliqués dans la politique locale, sont retrouvés morts, les uns après les autres. Une enquête est menée : sur chaque scène de crime, les traces d’une présence animale. Janina, la protagoniste, donne toujours son avis sur les morts et finit par suggérer une solution hypothétique : et si les animaux commençaient à se venger des hommes ?

© Alex Bernner

https://www.theatre-odeon.eu/fr/drive-your-plow-over-the-bones-of-the-dead

La conception de la mise en scène tourne autour d’un micro central, posé sur son support, qui amplifie la voix de Janina, voix du spectacle qui fait résonner le roman, tout en laissant apparaître derrière elle la succession des scènes évoquées. Janina passe rapidement et progressivement de son statut de narratrice à celui du personnage et certainement la souplesse des passages entre mode diégétique et mode mimétique est une des choses les plus remarquables de cette mise en scène.

La parole fait bouger les temps de l’action principale, en les mêlant à d’autre temps de l’histoire de la protagoniste. Le théâtre rend visible la superposition temporelle de chaque existence, donnant chair aux fantômes qui hantent Janina. Le clair-obscur du spectacle peint cette dimension fluide entre narration et représentation ; les mouvements des acteurs qui donnent vie aux scènes et aux dires de la narratrice sont parfaits, par moments chorégraphiques. Ils font preuve d’une technique impeccable. 

Et pourtant…

La narration est simple, linéaire et, en même temps, trop détaillée et construite en forme de cellules narratives qui se répètent jusqu’à devenir prévisibles. Complicité porte sur scène un roman qui, probablement, fonctionne mieux sur la page. 

L’actrice qui interprète Janina, Amanda Hadingue, fait un travail stupéfiant de vocalisation du roman, mais ce trop de texte (le spectacle dure trois heures), à mon avis, ne laisse pas de place à l’émotion du spectateur. J’y ai perçu un manque d’intensité, une excessive froideur. 

En plus, la portée engagée du roman reste difficile à saisir. Le public sortira du théâtre touché par une pensée éco-féministe ? J’en doute. Et c’est là, je crois, que réside le problème fondamental de cette mise en scène : à ce jour, il ne suffit pas d’une femme sur scène – très, trop naïve et caricaturale – , de son amour pour les animaux,  de la représentation de ses fantômes qui sont les fantômes de tous les animaux bestialement tués par les hommes, pour toucher le public sur un plan eco-féministe. Du reste, s’attend-t-on vraiment à ce que le public adopte cette démarche militante ?

Une image restera dans ma mémoire.

Janina est passionnée par les astres et les horoscopes, une autre manière (discutable), semblerait-il, d’être connectée à l’intime de la nature. Quand elle nous en parle, des effets de projections (qui remplissent l’espace scénique de leur magique inconstance lumineuse) peuvent donner forme aux constellations évoquées. Durant quelques instants, la scène est remplie d’une infinité de petits points lumineux : elle représente un ciel étoilé. Pourtant, une autre image, plus personnelle et plus intime, me vient à l’esprit et m’émeut. Après une longue randonnée à la montagne, j’avais échoué dans un refuge. Je me levai au cœur de la nuit. J’ouvrai la porte et, dehors, il y avait, sous mes yeux, des dizaines de petites lumières qui brillaient. Il me fallut un moment pour comprendre que c’étaient les yeux de dizaines de cerfs et de chevreuils. 

L’image personnelle s’est superposée à l’image évoquée par la scène, soit pour l’effet esthétique soit pour la remembrance suscitée par la thématique de la pièce. 

Mais tout de suite, Janina a repris son histoire et alors j’ai perdu cette émotion soudainement retrouvée, mais qui n’a pas trouvé le temps de s’installer dans mon esprit. Cette magie propre au théâtre, là où il laisse un peu d’espace au spectateur, à son vécu, à son interrogation profonde, là où le théâtre peut vraiment secouer son public, pour moi, n’a pas finalement eu lieu.

Silvia de Min

Dissection du monde omnivore, par Simon Macburney lecteur d’Olga Tokarczuk – Emilie Gauthier

©Alex Bernner

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Voyez l’os d’un poulet coincé dans le gosier d’un chasseur mort par étranglement et vous avez là l’image de la vendetta la plus parfaite. Le poulet – innocent mais ô combien savoureux, rétablit l’équilibre dans le cosmos en asphyxiant d’outre-tombe son sordide meurtrier d’un coup de sot-l’y-laisse. Coïncidence ? Les omnivores y penseront en regardant les poulets sur la broche ; les végétariens crieront « bien fait ». Tous concluront au hasard. Mais pas Janina. Cette vieille aliénée aux allures de prophète soupçonne un meurtre avec préméditation. Les animaux se révoltent contre leurs assassins, dit-elle, et les preuves sont là. Les amis chasseurs, le commissaire de police, tous sont les victimes de la justice du règne animal. Une mise à mort sans procès, un cri de la forêt pour rétablir l’équilibre, un rugissement contre ces dévoreurs qui, non contents d’aimer la viande crue, se lèchent encore les babines à l’idée du sang chaud : voilà ce que représentent, aux yeux de Janina, ces morts maquillées grossièrement en accident. Comment ne pas rire à la vue de cette pauvre cinglée, esseulée et sénile, avec son jogging de dimanche sans fin et son sac plastique. Personne pour la croire, mais elle hurle encore. 

Personne. Mais voilà que dans la salle de spectacle, les spectateurs se laissent prendre au piège. Dans la mise en scène charbonneuse et suffocante de Simon MacBurney, le roman d’Olga Tokarczuk prend des allures de conte fantastique. Et nous voilà frémissant dans la salle de l’Odéon : si le cosmos s’alliait contre l’omnivore sans vergogne qui siège au sommet de la « chaîne alimentaire » (excuse ultime de ces assassinats de masse envers le peuple animal), si sonnait l’heure de la punition, alors serais-je du côté des monstres, comme cet abominable chasseur qui massacre jusqu’aux chiens de cette pauvre Janina ? S’il n’y avait finalement pas de degré dans l’horreur, que reste-t-il à sauver ? Qui reste pur ? Qui peut encore l’être ? Ces contradictions violentes et esquivée avec tant de grâce par chacun de nous jour après jour sont là, toutes crues, dans la salle de spectacle. 

Entre fascination et révulsion profonde, le spectateur explore les conflits idéologiques du XXIe siècle qu’Olga Tokarczuk, sous l’œil de Simon Macburney, dissèque de la plus puante salissure jusqu’au rire le plus franc. Un micro, à l’avant-centre de la scène, fait exploser le monologue de Janina, prodigieusement incarnée par Amanda Hadingue. C’est là une trouvaille technique qui accentue cette voix monologique, esseulée et incomprise, et lui donne, paradoxalement, tous les accents d’une modeste confidence. Hurler, et n’être pas écoutée : voilà le châtiment du prophète. Derrière elle, les acteurs, comme transformés en ombre dans l’obscurité oppressante de la scène, donnent corps à sa folie : ils se livrent à une danse macabre, reflet des angoisses de Janina, mais aussi de celles du spectateur lui-même troublé, voire gêné, par différents chocs visuels et auditifs. Flashs éblouissants, musique violente et variations de son l’agitent, comme pour lui renvoyer l’image de sa propre barbarie. Le clou du spectacle : la représentation de la mort, jetée au visage du spectateur dans toute sa cruauté. Les charognes sont projetées sans fard sur le fond de la scène, tandis que les hommes, anonymes, s’effondrent un à un sous l’œil vengeur du prophète ignoré.  

Emilie Gauthier