Atelier de critique théâtrale -Sorbonne Université – Initiative Théâtre de l'Alliance Sorbonne Université

Atelier de critique théâtrale de l’Initiative Théâtre de l’Alliance Sorbonne Université

Soutenu par l’Initiative Théâtre de l’Alliance Sorbonne Université et le PRITEPS, le laboratoire de critique théâtrale a pour objectif de familiariser les participants aux outils théoriques et rhétoriques de l’écriture d’une critique dramatique. Comment rédiger une critique théâtrale ? Quelles informations sélectionner ? Comment les organiser ? Comment équilibrer la partie narrative et la partie argumentative d’une recension ? Comment apprécier un spectacle, exprimer son enthousiasme, sa déception ? Entre théorie et pratique, les chercheurs navigueront entre leur expérience de spectateur et leur plume critique pour construire une réflexion commune sur les rouages de l’analyse d’un spectacle. Cette exploration des mécanismes de la critique dramatique aboutira à la confection d’un recueil de critiques.

Aida Copra, Silvia de Min, Emilie Gauthier

Emilie Gauthier

Émilie Gauthier est doctorante à Sorbonne Université sous la direction de Florence Naugrette et Sophie Marchand. Dans le cadre de sa thèse, elle étudie le romantisme théâtral à la Comédie-Française dans la première moitié du XIXe siècle. Dans le cadre du programme des Registres de la Comédie-Française, elle a participé à l’élaboration du dictionnaire “Les Mots des registres” et a étudié et transcrit les registres de dépenses, de recettes et de comités de la Comédie-Française des XVIIIe et XIXe siècles.

Silvia de Min

Silvia De Min est docteure en Etudes Théâtrales (Université Ca’ Foscari de Venise) et en Études Italiennes (Sorbonne Université). Après avoir enseigné pendant quatre ans au département d’Études Italiennes de Sorbonne Université, en tant que Maître de Langue et ATER, elle a enseigné au Master de Théâtre et Arts de la performance à l’Université IUAV de Venise. Elle a publié trois monographies et plusieurs articles portant sur le théâtre et la théorie de l’ékphrasis, les didascalies et les textes didascaliques, le travail de création de la troupe Anagoor, le rapport entre la voix et l’image sur scène.

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Aida Copra

Aida Copra est docteure à Sorbonne Université dans le cadre du Doctorat international en Études romanes et italiennes (l’Université de Florence, l’Université de Bonn et Sorbonne Université). Elle a enseigné à l’Université de Sarajevo dans le Département d’Études romanes. Elle enseigne actuellement à Sorbonne Université dans le Département d’Études slaves et dans le cadre du séminaire de « Théâtre du Monde » organisé par l’Initiative Théâtre. En septembre 2023, elle est enseignante invitée à l’Académie des Arts du Spectacle de Sarajevo. Son domaine de recherche est le théâtre contemporain et elle travaille notamment sur la Commedia dell’Arte dans le théâtre contemporain, la pédagogie théâtrale, la mémoire du théâtre, le geste sur scène, l’analyse du spectacle, les arts de rue, le théâtre en guerre. Elle a fondé et dirige le blog de théâtre “Je vais au théâtre” dédié à la critique théâtrale et au spectacle vivant.

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La beauté sauvera le monde – par Léonard De Carvalho

Représenté le 29 janvier 2024, au théâtre de l’Essaïon.

https://www.essaion-theatre.com/spectacle/1046_la-beaute-sauvera-le-monde.html

La beauté sauvera le monde est une pièce originale écrite par Barbara Castin, comédienne de ce seul en scène, et mise en scène par Pierre Boucard. C’est à l’occasion du festival d’Avignon 2022 que j’ai eu la chance de voir pour la première fois ce spectacle, aujourd’hui repris au théâtre de l’Essaïon à Paris. À l’ouverture, une jeune femme y tient son bébé dans un couffin : elle semble avoir fait un long chemin. Elle fait une pause. Autour d’elle, une nature dévastée. Cette mère va alors conter à son enfant ce qu’elle a jadis fait (ou plutôt tenté de faire) en tant que scientifique pour alerter les pouvoirs publics sur les dangers d’un nouveau pesticide voué à ravager les cultures européennes.

Une lumière chaude inonde délicatement la scène. Nous sommes en présence d’une terre aride : des gravats, des fondations de béton tombées en ruine, structurent la scène. La configuration du théâtre de l’Essaïon (situé dans une cave humide) renforce l’impression de désolation qui émane du décor. Le costume de la comédienne est en lambeau, signe de l’effondrement de l’humanité – du moins telle que nous la connaissons. Nous sommes dans un monde dangereux : la solitude de cette femme et de son nourrisson saisit le spectateur dès l’entrée en scène de l’actrice.

La fragilité et la mélancolie du personnage, mêlé à son combat que l’indifférence des pouvoirs publics rend vains, donne aux spectateurs toutes les raisons d’être viscéralement points par le discours écologique. La voix de l’actrice oscille entre acharnement et frustration. L’inquiétude, le doute et la peur saisissent le spectateur jusqu’aux derniers instants de la pièce, qui s’achève sur une image de profond désespoir.

Barbara Castin réussit avec brio cet exercice du seul en scène et nous délivre une prestation poignante. Servi par une mise en scène fine et haletante, ce cri de rage au militantisme déchu mérite toute notre attention.

Léonard de Carvalho

Rappeler l’homme à la terre : La Beauté sauvera le monde de Barbara Castin – Emilie Gauthier

https://www.essaion-theatre.com/spectacle/1046_la-beaute-sauvera-le-monde.html

Au commencement, ce fut d’abord ce cri d’enfant triste et lourd qui perçait le noir. Pas de lumière. Pas d’image. Pas de parole. Uniquement ce cri strident et pesant, rapidement rattrapé par les murmures d’une femme, vaine supplication au sommeil du nouveau-né. Alors que le jour se lève lourdement dans la petite salle du théâtre de l’Essaion, voici venir Meth, qui, comme une louve apeurée trainant l’unique survivant de sa portée, se presse entre les trois imposants blocs de liège posés sur le plateau. Dans cette scène pauvrement décorée où se déploie un monde ravagé par l’activité humaine, Barbara Castin s’élance avec dextérité dans un seul en scène périlleux au cours duquel elle incarnera, dans un jeu riche en nuances, une série de personnages-fantômes en proie tantôt à l’angoisse, tantôt à l’indifférence écologique.

Durant une heure, Meth racontera à son bébé son combat d’entomologiste — nom (avons-le) assez difficile à prononcer et jusqu’alors inconnu d’une partie du public qui désigne un scientifique spécialisé dans l’étude des populations d’insectes — son combat d’entomologiste, disais-je, dans ce monde d’antan où « il y avait des odeurs qui marchaient », mais où déjà la terre nourricière s’épuisait devant l’appétit avide des industries agro-alimentaires. La mère rejoue les grandes étapes de sa lutte écologique d’hier : son rapport à l’assemblée qui lui vaut d’être accusée d’extrémisme (alors même qu’elle tentait simplement d’informer), l’éloignement de ses proches à mesure de la montée de son engagement dans la défense de l’environnement, son renvoi du laboratoire de recherche pour « idéalisme », son ralliement aux associations de lutte écologique, ses petites victoires. Des souvenirs comme autant de cris dans le vide qui convergent tous vers ce plateau en ruines — trace d’un terrible échec collectif, image violente de notre propre disparition. Telle est la fable que nous livre Barbara Castin, sublimée encore par Pierre Boucard à la mise en scène, et Antonio de Carvalho à la création lumière.

Face à une exposition aussi acerbe de la situation écologique actuelle, de son instrumentalisation politique et, peut-être plus dur encore, de notre impuissance individuelle face à l’entropie climatique, les spectateurs ont pu hésiter entre sidération, consternation et émoi irrépressible. Le pessimisme dérange, le discours politique offusque ? Mais tendez l’oreille, et écoutez la fin : vous entendrez un habile tressage des plus grandes pièces de la littérature, de Ronsard à Giono, en passant par la douce mélodie du Roi et l’oiseau ; vous sentirez le réveil de la force oubliée de la poésie ; vous vous laisserez entraînés par une célébration orphique. Que restera-t-il d’un sermon quand vous aurez frémis devant cette profession de foi en la création artistique, seule capable de rappeler l’homme à la terre ?

Pour ma part, je l’avoue, je mange encore des avocats et je rechigne à me renseigner sur l’empreinte carbone d’un véhicule électrique. Ce qu’il me reste, c’est le murmure de cette femme à l’oreille du nouveau-né dans la lumière désormais qui décline. Son murmure. Et ce couffin rempli de sable qu’elle renverse maintenant silencieusement par terre. Au commencement, ce fut un cri. Le soir venu, l’enfant à venir n’était plus qu’un tas de cendres muets.

Emilie Gauthier

Au poulailler, on rit aussi de La Puce – Emilie Gauthier

*La Puce à l’oreille* de Georges Feydeau, mis en scène par Lilo Baur, Salle Richelieu, 19 novembre 2023.

Une paire de bretelles, malencontreusement retournées de l’hôtel du Minet Galant, met le feu aux poudres d’une série rocambolesque de quiproquos, tous plus délirants les uns que les autres. C’est par ces maudites bretelles que Madame Chandebise (la géniale Anna Cervika) tire l’ultime preuve de l’infidélité de son mari – la première, mais non pas la moins amusante, étant ses troubles érectiles. Eh oui, voyez, les preuves sont sérieuses, les faits concordants. Lucienne Homénidès de Histangua (la sublime Pauline Clément), grande amie perdue de vue depuis dix ans mais retrouvée quelques jours plus tôt, désormais pour le meilleur et pour le pire, accepte d’aider l’épouse outragée à prendre son mari sur le fait : elle rédige, de sa plume la plus suave, une lettre parfumée et anonyme pour donner un faux rendez-vous à cette canaille de Monsieur Chandebise : voilà ! par ce stratagème, Madame pourra surprendre les envies extraconjugales de Monsieur, à défaut de la maîtresse prétendue.

L’intrigue, signée Feydeau, vous a sans doute mis la puce à l’oreille, et peut-être est-il inutile de vous raconter la suite, qui mêle brillamment tous les rouages du vaudeville. Point d’adultère, point de catastrophe, mais bien des éclats de rire salle Richelieu lorsque le désopilant Jérémy Lopez, reconnaissant l’écriture de sa femme, se met en tête de touiller celui qu’il pense être l’amant de sa tendre épouse, j’ai nommé Monsieur Chandebise lui-même, destinataire de la fausse lettre (le drôlatique Serge Bagdassarian) ; ou, lorsque qu’à l’hôtel du Minet Galant, Madame Chandebise ne découvre point, pour sa plus grande surprise, son mari, mais le bellâtre qu’elle voulait elle-même prendre pour amant (le fabuleux Sébastien Pouderoux) ; ou même, enfin, lorsque Jean Chevalier se met prodigieusement à parler sans prononcer aucune consonne. Lilo Baur fait le choix de transposer l’argument de Feydeau dans les années soixante. Couleurs explosives, costumes délirants, mobiliers vintages. L’œil est séduit par l’homogénéité de la reconstitution volontairement clichée. Ce replacement dans les sixties justifie et raille les comportements stéréotypés de l’homme et de la femme : c’est là un choix aussi prudent qu’efficace.

Sans doute l’affluence salle Richelieu, ce soir du 19 novembre 2023, et les crises de rire généralisées des spectateurs justifient certes le retour de la mise en scène de Lilo Baur en cette saison théâtrale. Pour avoir vu le spectacle depuis l’orchestre en 2019, je dois cependant vous confesser que j’ai bien moins ri à la reprise : les jeux de mots de Feydeau, bien que nous ne doutions point de leur légèreté, ne montent pas jusqu’au poulailler. Et puis, du reste, les acrobaties de nos Comédiens-Français adorés sont nul doute désopilantes, travaillées, et bien fines, mais le regard persan du spectateur, attentif et dévoué, voyez-vous, ne descend pas si bas — à moins de se faire greffer l’œil d’un faucon, difficile de vous en décrire les subtilités depuis les nues de la belle et grande salle Richelieu. Enfin, je peux vous dire tout de même ceci : cette salle à l’italienne tapissée de velours rouge, chaude, utérine, est dominé d’un sublime lustre dont on aime voir la lumière s’endormir, pour que la fiction s’éveille. D’ailleurs, pour des poules si haut perchées et prêtes au coucher, dans le noir, le vrai spectacle, c’est bien la salle — c’est son rire qui monte à nos oreilles, c’est son sourire que l’on a sous les yeux lorsqu’on décide de ne plus se tordre le cou.

Il est des soirs (certes, pas celui-là) où le poulailler est la place la plus noble. Regardez, lorsque Galilée-Hervé Pierre regarde la salle à travers son télescope, il voit l’univers. Eh bien, du haut du poulailler, moi aussi je l’ai vu : les lustres parsemaient le noir de la salle de minuscules lumières bleues. Et moi, alors, j’étais au milieu des étoiles.

Emilie Gauthier

Guerre du fond des tripes – Emilie Gauthier

Dans un décor brut aux couleurs de l’enfer, Benoît Lavigne nous balance en pleine trogne le corps meurtri et la psyché déchirée de Ferdinand, un de ces gamins abandonnés dans l’amas de boue et de boyaux de la guerre de quatorze. Tout droit sorti de Guerre (l’autofiction de Ferdinand Céline redécouverte en 2021 et parue chez Gallimard l’année dernière), le personnage se livre à un monologue éperdu, frénétique et truculent. Seul, ou plutôt abandonné, au milieu d’une scène presque vide, Benjamin Voisin lui prête tripes et cris dans une interprétation sidérante, et sublimée encore par les lumières et la scénographie de Seymour Laval.

Créée au festival d’Avignon, la pièce a été représentée pour la première fois en juillet 2023, au théâtre du Chêne noir
https://www.chenenoir.fr/event/guerre/

Alors que le noir de la salle du Petit Saint-Martin se dissipe à mesure que le sifflement de la guerre monte (merci à Raphaël Chambouvet, au son), les spectateurs découvrent un décor vide et sombre où les tons ocres plongent le jeune comédien dans un univers de feu et de sang. C’est dans l’agonie et la stupeur qu’explosent les premiers mots de ce seul en scène d’une heure vingt. L’abandon, la douleur, l’odeur de terre et de chairs meurtries bourradent les traits presque juvéniles et la grâce d’un tout jeune homme sacrifié à la patrie (pour ne pas dire dépecée par et pour elle). Avec une rare agilité, Benjamin Voisin incarne tour à tour tous les personnages que Ferdinand croisera du champ de bataille jusqu’à son exil en Angleterre, après une longue convalescence où pourtant l’horreur ne s’accordera pas grand répit. À l’arrière, charognards, gueules cassées et esbrouffeurs s’engagent dans une lutte pour la (sur)vie, au milieu des macchabées qui s’entassent et sous l’œil du tribunal de guerre – qui garde un fusil bien chargé pour les soldats soupçonnés d’automutilation et de désertion. Cascade, dernier ami de Ferdinand, n’y réchappera pas et se verra nicher une balle dans la tête pour s’être tiré dans le pied. Puisqu’on ne recroisera pas ce personnage de maquereau crevé pour trahison, saluons ici l’accent titi parisien et le style fanfaron et roturier que le comédien lui prête.

Au cœur de ces monstruosités bien humaines, Ferdinand trouvera pourtant son salut. Il trahit la mémoire de son unique ami en s’entichant de la jolie putain qui l’avait mouchardé par vengeance. Il fait chanter la nonne qui poussait ses vertus d’infirmière jusqu’au pelotage des cadavres. Il accepte de se faire violer, exhiber, décorer même pour acte de bravoure au milieu de toutes les barbaries. Une oreille en moins, un vacarme à vie vissé dans le crâne, un peu de plaisir parfois, beaucoup de rage et de silence souvent. Mais la verve jubilatoire du personnage à l’annonce du départ pour l’Angleterre dévore tout : et c’est malgré tout, encore, la grande victoire de la vie et de l’espoir sur la sauvagerie.

C’est drôle, la vie, quand même. Et c’est drôle de voir le rideau tomber après une telle explosion de poésie et d’abjection mêlées.

Triomphe complet.

Emilie Gauthier

L’oeil critique et rieur de Charlotte Clementi

Hilarant. Un moment de pur plaisir où les rires se chevauchent bruyamment dans cette salle rayonnante. Je sors du théâtre avec un esprit nouveau, plus léger : je fais une pause dans cette course vers le désarroi où me plonge l’actualité des faits. Autour de moi, ces décors de la ville qui me paraissaient il n’y a que quelques heures inutiles, presque illégitimes alors que le monde s’écroule à quelques kilomètres de chez moi, acquièrent maintenant tout leur sens et leur nécessité.

Voilà qu’il me suffit d’un seul acte, de quelques heures à peine, pour changer un peu mon regard sur le monde.

C’est le pouvoir du théâtre, un pouvoir qui appartient à ces pièces qui parviennent à perturber mes repères : un fou rire peut parfois susciter autant de réflexions que le monologue d’une tragédie shakespearienne.

Alors, pour retracer l’origine de cette sensation soudaine de vitalité intérieure, la naissance d’un espoir quelconque sur l’humanité et sur sa beauté, rien de mieux que d’essayer de faire revivre l’atmosphère enivrante où nous plonge La Puce à l’oreille de Georges Feydeau (1907) dans la mise en scène de Lilo Baur, salle Richelieu.

La scène s’ouvre sur un décor du moins époustouflant, inattendu, où les années sixties, le goût pour l’excentricité et les couleurs pop nous sortent immédiatement du contexte parisien. La mise en scène est semée d’objets extravagants, comme cette kitschissime peau de tigre en guise de tapis, ce bar à cocktail en forme de globe terrestre ou ce canapé vert sapin en velours, qui ne feront qu’entourer et servir les aventures rocambolesques d’un ménage bourgeois et de son entourage. Feydeau, et avec lui notre metteuse en scène suisse, ont tout l’air de s’être éclatés à enfoncer leurs personnages dans les situations les plus absurdes et loufoques. Dans ce décor chic, avec quand-même quelques notes de mauvais goût, dans l’apparente tranquillité sage d’une petite maison quelque part au milieu des montagnes enneigées, l’engrenage démarre, l’équilibre éclate, les comédiens surexcités sautent ici et là, ouvrent des portes, courent, crient, dansent, déployant toute une série de quiproquos qui arrachent les fous rires des spectateurs. Malgré un bon nombre de propos grossiers, Lilo Baur parvient à reproposer avec glamour cette pièce aux mécanismes parfaitement rodés et à provoquer un rire lessivant dans la salle. On assiste à la décomposition progressive des conventions bourgeoises et des relations humaines pour s’avouer que, malgré nos efforts constants de trouver un équilibre humain et social, il suffit d’une petite flamme pour qu’il s’effondre impitoyablement.

Quant à l’intrigue, c’est un vrai défilé de malentendus et de délires portés par des acteurs merveilleux, qui assument pleinement l’incongruité des situations en recréant un comique qui ne passe plus seulement par les mots, mais aussi par le corps, par ses mouvements précis et extrêmement musicaux qui caractérisent chaque personnage.

©Vincent Pontet
https://www.comedie-francaise.fr/fr/evenements/la-puce-a-loreille-23-24#

Il y a d’abord Raymonde Chandebise (la jeune Anna Cervinka), atterrée depuis qu’elle a trouvé les bretelles de son mari dans un colis ouvert « par mégarde » et persuadée depuis que celui-ci la trompe. Elle fait alors appel à sa meilleure amie Lucienne Homédiés de Histangua, une femme quelque peu farfelue et fabuleusement interprétée par Pauline Clémént. Ensemble, dans une solidarité qui révèle derrière leur excentricité un féminisme discret et timide, elles concoctent un plan diabolique pour surprendre en flagrant le pauvre Victor-Emmanuel Chandebise (le superbe Serge Bagdassarian) qui, lui, n’est préoccupé que par son impuissance au lit et se confie à ce docteur de famille un peu trop libidineux (Alexandre Pavloff, quel acteur !). Mais dans ce défilé burlesque du monde bourgeois nous avons aussi des domestiques malicieux qui font progresser le délire : un mari très jaloux (le délicieux Jerémy Lopez qui nous fait tordre de rire), l’assistant tombeur de filles (Sébastien Pouderoux), un sosie, ivrogne et un peu bête, de l’assureur (bien sûr encore Serge Bagdassarian), le militaire nostalgique à la retraite (Thierry Hancisse) et sa diva de femme (Clotilde de Bayser), le touriste américain qui ne sait plus où il est tombé (Biran Ba), une bande de musiciens qui rythment l’enchainement de l’hystérie. Ça donne du fil à retordre aux spectateurs les plus sérieux.

Moi, je sors de la salle épatée et étourdie, comme si je venais de sortir d’un cycle à 60° degrés de ma machine à laver. Comblée, comme d’ailleurs ont l’air d’être aussi les gens autour de moi, je repense à ce joli bordel où tous les ressorts comiques ont marché à merveille et je me sens épanouie. Je n’ai aucun doute, Lilo Baur a honoré le chef d’œuvre abracadabrant de notre cher Feydeau !

Charlotte Clementi

Une guerre à corps perdu, une guerre au corps à corps – Léonard De Carvalho

Benoit Lavigne tire de Guerre, roman de Louis-Ferdinand Céline publié à titre posthume en 2022, un monologue de plus d’une heure, représenté au théâtre du petit Saint-Martin. L’enthousiasme du festival d’Avignon 2023, durant lequel j’ai découvert cette première adaptation du roman de Céline, se retrouve à Paris.

Voici l’intrigue : Ferdinand, jeune soldat déserteur, est témoin des atrocités de la Première Guerre mondiale. Malice et opportunisme lui permettront de sortir de l’enfer. La pièce s’ouvre sur le champ de bataille et raconte la convalescence du jeune soldat.

Le plateau est nu, et ne laisse qu’un tabouret à cour. Une toile disposée au lointain offre un dégradé de gris et de rouge orangé. L’image évoque immédiatement le front, et précisément une tranchée, composée de la noirceur des effluves d’obus et de l’orangé d’un crépuscule sans fin. La mise en scène, grâce à une lumière feutrée et tamisée, peint l’atmosphère poisseuse d’un champ de ruines où l’esprit s’égare. Les jeux de lumière figurent tantôt un hôpital de fortune où sont soignés les soldats, une prison dont les jeux d’ombre figurent les barreaux, un bar miteux de la ville. Le comédien, qui donne sens à ce décor métaphorique, se trouve là, recroquevillé dans son habit de soldat trop grand, trop lourd, trop important pour lui. Le regard et les traits juvéniles peu à peu se dissipent pour exprimer la laideur, la violence et l’indicible de la guerre.

Benjamin Voisin réussit à saisir avec justesse la psyché devenue fragile d’un personnage envoyé à la mort. Le comédien, seul en scène, capte le public et le plonge dans son enfer pendant plus d’une heure. La mise en scène donne à voir les oubliés de la guerre, tous ceux qui ne voulaient pas la faire, ceux qui sont partis au front ou qui sont prêts à tout pour le fuir. La jeunesse y est déjà vieille et mutilée, et c’est un enfant pourtant qui se découvre encore sous ce costume de guerrier, un enfant qui en croise un autre et s’en fait un ami, un clown triste surnommé Cascade. Ferdinand, c’est aussi un adolescent qui explore une sexualité débridée, dénuée d’amour, qui se découvre, ou plutôt se soumet aux pulsions des autres, eros et tanatos confondus. C’est finalement un jeune adulte qui accepte d’être médaillé de l’horreur pour rendre fiers ses parents. Benoit Lavigne réussit ainsi à portraiturer une jeunesse perdue, ni glorieuse ni volontaire, en proie à la désespérance dans un monde anarchique où la survie ne sourit qu’aux chanceux, qu’aux lâches peut-être ?

Benjamin Voisin transmet la peur qu’il incarne avec brio : elle se dévoile peu à peu, elle dévore le comédien, lui tord le ventre. Ferdinand crache ses tripes sur scène, vomit, étouffe. Son corps est comprimé par l’horreur, par l’affront de la lâcheté et du mensonge, mais surtout par la culpabilité du survivant. Cette ambivalence et cette fragilité se retrouve dans la voix du comédien, une voix de jeune homme déjà rocailleuse et vibrante. La variété des regards de l’acteur compose cette ambivalence : il oscille entre malice et tristesse, et incarne plusieurs personnalités parfois contradictoires – femmes, hommes, traîtres, soldats, déserteurs, lâches, héros.

© Théâtre du Chêne noir
https://www.chenenoir.fr/event/guerre/

Après Avignon, donc, c’est à Paris que la salle s’est levée pour ovationner la pièce et le comédien, qui a transmis aux spectateurs un tourbillon d’émotions, entre horreur, fraternité, et empathie.

Léonard de Carvalho

Les visages de la douleur et du chaos sur la scène – Gabriel Federicci

Dans un décor minimaliste où seuls subsistent les décombres de la guerre, un jeune soldat révèle les blessures de son âme, les traumatismes de son expérience, et, submergé entre la douleur et le chaos, il dévoile les conséquences de sa survie, tout en traduisant l’ironie de la vie dans un monde réduit en cendres. C’est dans cet environnement sinistre, créé par la scénographie et les lumières de Seymour Laval, que le comédien Benjamin Voisin accueille son public au Théâtre Petit Saint-Martin.

Guerre, adaptation du roman éponyme de Louis-Ferdinand Céline, a été transposé au théâtre sous forme de monologue. L’ambiance oscille entre l’existentialisme et le nihilisme, et cette atmosphère a été habilement captée par la mise en scène de Benoît Lavigne. Si la direction parvient à transposer l’univers particulier de Céline à travers les références littéraires, explorant les pulsions de vie et de mort, son véritable point fort réside dans sa capacité à éclairer les variations de l’âme qui résident en chaque être, surtout lorsqu’il est plongé dans les méandres de la mémoire et confronté à ses souvenirs, malgré ses pertes. En ce sens, l’auteur a fait de la maxime de Schiller « Quand l’âme parle, hélas ! l’âme ne parle plus » un moyen d’expression qui transcende les limites de la communication verbale, cet-à-dire de la pensée, pour construire un tableau qui exprime visuellement le tourments de notre chair, comme une exposition de notre existence fragmentée face à ce monde.

Benjamin Voisin incarne plusieurs personnages évoqués par le souvenir du jeune soldat et les joue de manière caricaturale, parfois exagérée dans sa composition. Cependant, son récit est parfois teinté d’une certaine « distantiation » à la manière brechtienne, où il condense avec ironie les tourments qui découlent de la société, tout en exposant les masques qui nous entourent au moyen de gestes suggestifs. Ainsi, le grand atout du spectacle doit être attribué au travail du comédien, par son souffle et son élan dramatique, passant de la prétendue folie d’un jeune Hamlet aux limites de la lucidité face aux profondes réflexions que le texte suscite.

Dans ce jeu d’intensité, dans un contraste entre la lumière et les ténèbres, entre la conscience et l’inconscience, cette expérience révèle à quel point l’univers de l’adaptation d’un roman au théâtre est un défi, démontré ici par le succès de son langage scénique ainsi que par la vigueur de tous les éléments que nous avons eu le bonheur de voir sur scène.

Guerre est un écho poétique de tous ceux qui sont tombés entre les guerres, mais qui renaissent aujourd’hui dans les pages de l’histoire pour alimenter la flamme du soldat inconnu.

© Théâtre de la Porte Saint-Martin
https://www.portestmartin.com/guerre

Gabriel Federicci

Représenter le handicap mental sur scène : le défi de Misericordia d’Emma Dante – Emilie Gauthier

Le handicap mental a quelque chose d’inexprimable, d’indicible, voire peut-être d’innommable. Tantôt objet d’incompréhension, de mépris et d’invisibilisation, il est bien souvent polymorphe et ne saurait se réduire à l’étiquette d’un syndrome et à liste figée de symptômes. Parce que le handicap a son langage et sa grammaire, il est un objet de fascination mais aussi de violents rejets qui courent de la moquerie aux comportements excluants et discriminatoires. Rares sont les représentations théâtrales qui tentent de donner à voir le handicap mental, que ce soit du point de vue du malade, de son entourage ou d’un tiers. Autre preuve, peut-être, du peu de visibilité que nos sociétés offrent au monde du handicap. Est-ce par peur, par prudence ou par ignorance ?

Emma Dante explore quant à elle sans crainte, ni pudeur, ni maladresse, le monde intérieur du handicap mental dans une création théâtrale, chorégraphique et poétique au titre tendre de Misericordia. Simone Zambelli, danseur, y incarne le personnage (quasi) muet d’Arturo, un jeune homme souffrant d’un handicap mental, élevé et chéri par trois femmes dans une grande misère (Manuela Lo Sicco, Leonarda Saffi et Italia Carroccio). L’intrigue est simple : les trois femmes ne parviennent plus à s’occuper de l’enfant et se sont décidées à le confier à un mystérieux établissement spécialisé.

En une heure, la pièce explore toutes les émotions que le handicap peut soulever en une vie.

Peur : que va devenir Arturo lorsque la fanfare viendra le chercher pour l’emmener loin de ses femmes qui sont sa famille ?

Incompréhension : pourquoi Arturo se balance-t-il comme ça, au rythme du cliquetis des aiguilles à tricoter de ses mères ?

Colère : Arturo saccage l’appartement et ne cesse de renverser les poubelles sur cette scène étroite et miteuse, qu’habillent juste quelques sacs et quatre fauteuils à bascule.

Horreur : Arturo ne supporte pas qu’on hurle l’horrible récit de sa naissance, pleine de coups et de cris.

Rire : Arturo va-t-il vraiment bouger chaque minute que dieu fait, même en dormant ?

Soulagement : la boite à musique a enfin fini par calmer Arturo et le voilà tranquille.

Fierté : je rêve, ou Arturo est en train de s’habiller tout seul ?

Amour : Arturo parvient pour la première fois à dire « maman » lorsqu’on l’arrache à son foyer.

C’est que la différence n’y est pas simplement représentée. Elle est dansée, chantée, célébrée dans ses joies comme dans ses peines. Elle guide la scénographie, est l’objet de tous les dialogues, s’incarne dans tous les gestes, dans tous les cris d’euphorie comme de détresse. Sublimée par les pas du danseur, elle ne fait plus peur. Elle ne fait plus rire. Elle devient le support d’un plaisir esthétique inédit où le geste prend le relais de la parole pour dire :

Je suis humain car je vois ce que vous voyez,

Je suis humain car je sens ce que vous sentez,

et car j’aime en vous les choses que vous avez appris à aimer en moi.

Au-delà de la détresse, de la peur et de la souffrance, Emma Dante rappelle avec tendresse et chaleur que le monde du handicap a ses larmes de joie et ses jours d’espoir.

C’est la première fois que je vois une salle entière se lever pour acclamer un spectacle. Mais pas la dernière, car j’y retournerai.

https://www.theatredurondpoint.fr/spectacle/misericordia/

Emilie Gauthier

La parole cachée : Misercordia de Emma Dante – Nicole Botti

Sur la scène, le spectateur voit quatre chaises placées les unes à côté des autres : un espace épuré, quasiment vide, un garçon et trois femmes. Deux des femmes sont debout en train de parler à voix basse. Visiblement, il y a conflit, et c’est a priori l’autre femme assise qui en est la cause. Et en effet, une dispute – du quotidien, banale en somme – explose quelques minutes après. Pourtant, jusque-là, aucun mot n’avait été prononcé clairement, ni aucune phrase articulée. Le spectateur ne peut que regarder la scène devant lui et se laisser porter par ces sons incompréhensibles, qui, de temps en temps, font rire la salle.

C’est peut-être dans cette ouverture, ce dialogue initial sans paroles définies, que l’on peut voir le mode d’emploi de Misericordia, un spectacle de Emma Dante joué au théâtre du Rond-Point en italien, plus précisément en dialecte sicilien. Dans le reste de la pièce, les dialogues sont dosés et régulièrement brisés par la gestualité et les sons du travail de mise en scène.

Les trois femmes de Misericordia, Anna, Nuzza e Bettina, sont des prostituées. Elles habitent un lieu indéfini en Sicile, dans un univers fait de violence, d’humiliation, de misère et d’avilissement. Avec elles habite Arturo, un garçon handicapé. C’est le fils de Lucia, feu leur amie et colocataire, battue à mort par le père de l’enfant lors de sa grossesse. Arturo est donc né orphelin et il a été élevé par ces trois femmes, dans cette maison étouffante, où on tricote le jour, et vend son corps la nuit.

Toutes les parties dialoguées transmettent le point de vue des femmes : c’est à travers leur récit que nous apprenons leur histoire, que nous revivons leur passé et connaissons leur présent. Anna, Nuzza et Bettina sont plongées dans cet univers de violence et de misère : on les voit osciller entre la résignation désespérée et le dégout pour leurs propres vies. Cette violence, cette misère se retrouvent non seulement dans leur récit, mais aussi dans leurs mouvements, dans leurs gestes, dans leurs disputes. Le garçon au contraire ne parle jamais, mais il occupe l’espace, il est tout temps en mouvement. C’est par les regards et les mouvements qu’il communique, créant une sorte de danse convulsive. Le comédien Simone Zambelli donne ici une performance remarquable, en réussissant à transmettre au spectateur un mélange de grâce et de drame par les seuls mouvements de son corps.

Arturo, qui ne devrait être qu’un énième malheur pour touche ces trois femmes miséreuses, devient au contraire leur rayon de soleil : chacune a sa façon d’être la mère de ce garçon, et toutes les trois brillent de tendresse en prenant soin de lui, en le réprimandant, et même en s’en plaignant.

Finalement, la force et peut-être la faiblesse – selon les goûts – de cette mise en scène, c’est de réussir à mettre en évidence le non-dit. C’est exactement dans cette alternance de parole et de gestes que le spectacle nous parle, par l’accumulation d’images excessives, qui sont faites de couleurs vivantes, d’un nombre incalculable d’objets jetés sur scène et de corps imparfaits. C’est aussi grâce à ces comédiens capables de donner vie à cet univers à la fois cru et poétique, qu’Emma Dante crée une mise en scène intense, perturbante et puissante.

Nicole Botti

https://www.theatredurondpoint.fr/spectacle/misericordia/

L’art du seul-en-scène maîtrisé, Guerre de Benoît Lavigne – Agathe Faucourt

Benoît Lavigne et Benjamin Voisin réussissent le pari d’adapter le roman inédit de Louis-Ferdinand Céline en un seul-en-scène puissant qui donne corps et voix aux antihéros de la Grande Guerre.

Théâtre du Petit Saint-Martin, 17.10.2023

Texte : Louis-Ferdinand Céline

Adaptation : Bérangère Gallot et Benoît Lavigne

Mise en scène : Benoît Lavigne

Avec : Benjamin Voisin

On le sait, l’exercice du seul-en-scène est un art complexe, en particulier lorsque le sujet abordé empêche, à priori, toutes notes d’humour. Guerre mis en scène par Benoît Lavigne et interprété par le césarisé Benjamin Voisin relève donc ici un double défi : adapter pour la scène une œuvre littéraire tout en captivant l’auditoire par l’entremise d’une distribution réduite à son minimum. Défi réussi pour Benoît Lavigne et Benjamin Voisin qui signent ici une très belle première adaptation du roman inédit de Louis-Ferdinand Céline retrouvé en 2021 et publié en grande pompe aux éditions Gallimard l’année suivante.

Avant même le lever du rideau, le public est déjà plongé dans les tranchées fumantes de la Grande Guerre grâce à la scénographie de Seymour Laval. La fumée blanche qui s’abat vite, très vite, sur la minuscule salle du Petit Saint-Martin semble aussi faire office d’avertissement : préparez-vous à être enfumé nous dit-on, méfiez-vous des coups d’esbroufe. Or, justement, le héros de Guerre excelle en la matière, à tel point que le spectateur finit par douter que celui-ci mérite véritablement son titre de héros de guerre. Pour justifier sa couardise, le bien connu Ferdinand n’hésite pas à singer son entourage dans un récit haut en couleurs qui lui laisse toujours le beau rôle.

Sur scène, un décor dépouillé laisse le champ libre à Benjamin Voisin pour déployer son jeu d’acteur caméléon : il incarne aussi bien les soldats traumatisés que les femmes qui égaient leur convalescence – Ferdinand et sa loyauté chancelante bien sûr, mais aussi le délicieux Cascade, à la jambe boiteuse et au sourire niais bientôt accusé d’avoir trahi la patrie, ou encore la peu scrupuleuse Mlle Lespinasse, infirmière de son métier atteinte d’un cas particulièrement prononcé de « e prépausal ». À chaque nouveau personnage, Benjamin Voisin fait peau neuve, transforme sa voix, sa gestuelle, son phrasé, investit son énergie, engage son corps et sa sueur pour donner à voir la félonie, l’égoïsme, et la noirceur de ces antihéros dont Céline a le secret. Proche de l’exploit, la performance est presque aussi étourdissante que prodigieuse. La mise en lumière très soignée – encore une fois signée par Seymour Laval – accompagne sans aucune fioriture le rythme effréné des métamorphoses de l’acteur. Le spectateur est embarqué d’un lieu à l’autre sans alourdir l’œuvre par des changements de décors superflus. En évitant tout excès de théâtralité, la mise en scène de Benoît Lavigne rend hommage au verbe célinien qui nous fait rire et pleurer autant qu’il nous écœure.

Reste que la dernière diatribe de Ferdinand est peut-être celle de trop. La complexité de l’écriture célinienne a finalement raison de la scène : si elle nous tient en haleine au fil des pages, la langue tortueuse de l’écrivain finit par perdre le public une fois retransmise sur scène. Que dire aussi du parallèle que suggère le metteur en scène entre l’œuvre de Céline et la guerre en Ukraine ? Ferdinand n’a rien du soldat ukrainien – ou du moins, on l’espère – et c’est tant mieux. Il est le produit d’une époque qui tient encore pour vrai que la guerre suffit à tout pardonner, y compris un sexisme rance qui contaminait déjà les pages du Voyage au Bout de la Nuit. L’allusion au contexte politique nous paraît donc ici un peu trop hâtive. Le texte de Céline semble en effet trouver toute sa force dans sa particularité historique plutôt que dans sa prétendue résonance.

Agathe Faucourt