Alice Clabaut – Atelier de critique théâtrale -Sorbonne Université

Vertige (2001-2021) par Guillaume Vincent – Alice Clabaut

Guillaume Vincent nous montre que le théâtre et la vie s’entremêlent toujours unpeu, jusqu’à vous en donner le Vertige (2001-2021).

La programmation de mars-avril 2023 du théâtre des Bouffes du Nord propose de prendre de la hauteur sur les vingt dernières années avec Vertige (2001-2021), un texte écrit et mis en scène par Guillaume Vincent en collaboration avec les sept interprètes issus de la promotion 6 de l’École du Nord : Suzanne de Baecque, Adèle Choubard, Maxime Crescini, Simon Decobert, Joaquim Fossi, Solène Petit, Rebecca Teten.

Vertige (2001-2021) retrace le parcours de sept jeunes gens qui intègrent une école de théâtre à l’orée du nouveau millénaire. Le programme promet de suivre la trajectoire d’une génération qui a vécu les horreurs du début du siècle : l’effondrement des Tours jumelles, la montée de l’extrême-droite, la crise économique, le dérèglement climatique, etc. Tous ces éléments contextuels apparaissent en toile de fond, certes, mais en sortant du théâtre c’est plutôt les différents parcours de vie de sept jeunes acteurs qui marquent les esprits. Pour cause, le spectacle se construit autour de leur vie à l’école et des pièces de théâtre qu’ils travaillent et qui les travaillent. Et comme dans la tête d’un ou d’une jeune vingtenaire, il y a beaucoup de choses dans cette pièce, peut-être trop à certains moments, en tout cas suffisamment pour vous donner le Vertige, et laisser la possibilité à chacun de s’approprier un morceaux de cette explosion d’émotions et d’événements.

Il faut le dire, Vertige (2001-2021) est un spectacle éclatant et mouvant. Ces deux qualificatifs sont à comprendre dans leur polysémie. Tout est d’éclat. Les costumes bigarrés tapent dans l’œil et font résonner visuellement les textes de théâtre qu’ils permettent aux comédiens d’incarner. Du nu, de la nuisette et des plumes pour Feydeau, ou de grands chapeaux et des robes longues pour Tchekhov. Les choix de lumières vives et colorées mettent en valeur autant les paillettes du décor que les émotions des personnages. Le spectacle est aussi construit autour des éclats de voix. Ça rit, parfois un peu grassement, ça jouit, parfois un peu fort, ça crie, parfois un peu trop. Éclat, éclatant, éclatement, la pièce part dans tous les sens, au moins pendant le premier acte qui voit ces jeunes entrer dans leur école de théâtre, découvrir la vie et s’éclater eux-aussi. Amour du théâtre et ambition professionnelle, amour tout court et projet d’avenir, leur vie est rythmée par leur autonomie récemment acquise loin de leur famille et de leurs milieux sociaux. Et les pièces qu’ils travaillent leur permettent d’explorer cette liberté nouvelle.

Vertige (2001-2021) est aussi un spectacle mouvant. Comme ces jeunes que l’incertitude du monde présent et futur anime, les décors de la pièce bougent et les comédiens occupent tous les espaces du théâtre, l’avant et l’arrière scène, le public et les coulisses. Les Bouffes du Nord dansent avec ces sept acteurs de l’école du nord. Même si ces jeunes adultes semblent d’abord frivoles et naïfs, le deuxième acte confirme leur profondeur et rend leur parcours émouvant. Les sept personnages acquièrent alors une autre dimension. Leur envergure se relève à mesure que leurs failles et leurs doutes se révèlent. Une touche tragique s’ajoute au comique de la pièce et les mouvements des corps s’accordent avec celui du temps qui passe. On parle alors du futur tel qu’on ne peut pas l’imaginer lorsqu’on commence ses études : mouvant, et mourant.

Vous l’aurez compris, il n’est pas facile de résumer Vertige (2001-2021) sans risque d’en amoindrir le propos. Une chose est sûre, cette œuvre complexe et colorée met en lumière la problématique de la création d’un spectacle de théâtre au côté de celle de la construction de soi.

Alice Clabaut

En attendant (le renouvellement de) Godot, la mise en scène savante d’Alain Françon – Alice Clabaut

En ce début d’année 2023, le théâtre de La Scala met à l’honneur Alain Françon et sa production d’En attendant Godot. Si le metteur en scène de renom a eu l’opportunité de jouer dans une production de Godot dans sa jeunesse, c’est la première fois qu’il s’y attarde en tant que metteur en scène. À noter, ce n’est pas le premier Beckett qu’Alain Françon met en scène, et l’on peut d’ailleurs retrouver simultanément à La Scala son adaptation de Premier Amour. Il semble toutefois qu’il se frotte à ce canon théâtral qu’est En attendant Godot avec encore plus de sérieux et d’application qu’on lui connait.

Sa mise en scène de Godot relève de cette « scandaleuse simplicité » que Françon recherche – comme il le mentionne volontiers dans ses interviews. Son Godot s’inscrit dans la tradition française des productions du théâtre de Beckett héritée de Roger Blin : la palette de couleurs choisie est familière et sobre, le texte est celui qu’on a en tête, l’atmosphère générale remplit l’horizon d’attente d’un beckettien. Cependant, pour le spectateur aguérri, qui connaît parfaitement le texte, l’effet laissé par cette adaptation a un ‘petit quelque chose en plus’ ; un léger décalage est perceptible sans qu’une rupture soit évidente. Cela s’explique par l’intention portée sur l’exactitude du texte et la volonté de Françon de respecter du mieux possible l’homme de théâtre complet qu’était Samuel Beckett.

En effet, Alain Françon et son assistant à la dramaturgie Nicolas Doutey ne travaillent pas seulement avec les textes publiés aux éditions de Minuit. Les deux hommes s’intéressent autant à Beckett le metteur en scène qu’à Beckett le dramaturge. Ses carnets de mises en scène, notes, lettres, et toutes sortes d’archives témoignent d’un processus constant de remaniement du texte bien après sa publication, et nourrissent les mises en scène d’Alain Françon. Hommage à Beckett, la dramaturgie est savante, puisqu’elle propose “un texte final”, comme le dit Françon, qui, à défaut d’être publié, est présenté et représenté littéralement sur scène, sur le décor de Jacques Gabel qui a reproduit et peint à la main le texte en blanc sur le sol de la scène. Ce faisant, le metteur en scène français efface la frontière entre chercheurs et acteurs, et permet au paysage français des productions de Beckett, qu’on connait si bien, de commencer à continuer de perdurer. Alain Françon propose ainsi une mise en scène particulièrement ciselée et réfléchie, peut-être trop.

Si cette production est académiquement intéressante, elle ne correspond pas à ce que le livret promet, à savoir “Le chef d’œuvre de Samuel Beckett comme vous ne l’avez jamais vu !”. C’est bien un Godot comme on l’a vu déjà moultes fois en France auquel on assiste. Si cette mise en scène est intéressante et juste, elle est aussi lente, et monotone dans la mesure où elle n’actualise pas le texte de Beckett. Elle est conforme à la tradition d’une lecture intellectuelle du texte, d’une esthétique presque monochrome et d’une fascination pour son auteur.

Il faut souligner que le jeu d’acteur est remarquable. André Marcon (Estragon) et Gilles Privat (Vladimir) incarnent admirablement la camaraderie bon enfant des deux personnages principaux, et leurs échanges font vivre l’humour beckettien. L’autorité de Guillaume Lévêque (Pozzo) sur Éric Berger (Lucky) fonctionne parfaitement comme le veut l’horizon d’attente. Et Antoine Heuillet joue très bien le jeune Garçon, annonçant que Godot ne viendra pas, qu’il faudra encore l’attendre. Somme toute, la mise en scène d’Alain Françon présente de nombreuses qualités, qui raviront les beckettiens fidèles, mais elle annonce qu’il faudra encore attendre pour découvrir un Godot renouvellé en France.

Alice Clabaut

“Le” Mauvaise Petite Fille Blonde de Pierre Notte dénote – Alice Clabaut

Janvier 2023, le Studio Hébertot propose de rencontrer la Mauvaise petite fille blonde de l’auteur et metteur en scène Pierre Notte. Cette performance insolite, drôle et contemporaine nous fait suivre le récit des pensées d’une “petite fille” d’à peine dix ans. Cette enfant nous emmène avec elle dans la rue, à l’école, à la maison ; elle nous partage sa vision des événements, qui diffère souvent de celle des adultes ; elle montre par son discours teinté de colère et de franchise piquante tout ce qui ne va pas dans ce monde. C’est bien une “mauvaise” petite fille que le texte de Pierre Notte nous dépeint, car cette gamine est loin de la douceur et de l’innocence que les clichés colleraient à une “petite fille blonde”. Elle assume ses jugements, fait preuve d’égoïsme et rêve de voir ses parents mourir étouffés avec une part de pizza.

Pierre Notte oblige le spectateur à se défaire de tous ses préjugés. Pour preuve en est son choix d’acteur, et non d’actrice, car cette petite fille en colère est interprétée par un homme, un cinquantenaire, joué par le comédien et danseur Antonio Interlandi. Celui-ci apparaît sur scène torse nu, des converses rouges aux pieds, et habillé d’un grand jupon de tulle rose sur lequel on peut apercevoir une tête de mort en strass. Le costume (Alain Blanchot) accompagne le ton de la pièce, décalé. Le jeu de lumière (Antonio de Carvalho) est très performant et fait particulièrement ressortir le corps de l’acteur, qui bouge discrètement mais sûrement, ponctuant ainsi le récit. La silhouette bizarre et singulière, aux bras tendus et tordus, rappelle les danseuses des boîtes à bijoux des petites filles justement.

L’adjectif “mauvaise” du titre est alors incarné dans ce hiatus étrange entre le personnage et l’acteur. Ce choix pourrait être dérangeant, mais rien n’y fait, la voix et la diction d’Antonio Interlandi nous permettent de voir cette petite fille devant nous. Par ce décalage savamment effectué entre le visuel et l’audible, le texte et la mise en scène de Pierre Notte mettent ainsi incroyablement bien en lumière le pouvoir évocatoire du langage et nous transportent pendant une heure et demi dans le quotidien d’une “mauvaise petite fille blonde”, à qui tout adulte semble désormais pouvoir s’identifier.

Alice Clabaut

L’expérience théâtrale de Thèbes au temps la fièvre jaune par Eugenio Barba – Alice Clabaut

En 2022, Eugenio Barba revient à Paris, avec la troupe de l’Odin Teatret pour présenter au théâtre du Soleil leur nouvelle création Thèbes au temps de la fièvre jaune. Ce spectacle présente plusieurs épisodes de la mythologie grecque, et adapte, notamment, les lendemains de la guerre entre les deux fils d’Œdipe pour la domination de Thèbes, la mort d’Œdipe, la punition d’Antigone, et surtout le retour de l’espoir et du printemps. Il semblerait que “la fièvre jaune” corresponde à un avenir prometteur et ensoleillé pour la cité.

À l’écrire, la chose semble claire, mais Thèbes au temps de la fièvre jaune est tout sauf facile, et encore moins facile d’accès. Très obscur, le propos est presque, voire totalement impossible à suivre. Il y a peu de texte, celui-ci est en danois, mais la difficulté de compréhension ne vient pas de la langue.

Élitiste intellectuellement, inutilement compliqué, et anti-pédagogique, le spectacle mélange les arts, les genres, les époques. Par exemple, alors que les interprètes évoluent sur l’espace scénique, vêtus de costumes rudimentaires rappelant autant l’Antiquité que les hippies des années 1960, ils accompagnent leurs mouvements de grandes peintures de Gustav Klimt, Van Gogh, et autres. Ces tableaux très connus, mais aussi très mal imprimés, viennent brouiller les pistes au lieu de rattraper l’attention vers le déroulement. Ces toiles pixelisées pourraient laisser penser que la troupe est amateure, si l’on ne connaissait pas sa longévité. Cet exemple de choix esthétique alambiqué, parmi beaucoup d’autres, est accompagné d’un pédantisme étonnant et peu agréable de la part du metteur en scène. Ce 12 novembre 2022, avant que le spectacle ne commence, Eugenio Barba était présent et ne s’est pas privé de faire des remarques désagréables à quelques spectateurs ni de demander avec agacement de s’asseoir par terre et d’éviter de faire dépasser quoi que ce soit. Pour toutes ces raisons, ce spectacle semble mettre en scène un théâtre dépassé peut-être, ou démesurément tortueux, qui ressemble à un « délire » partagé uniquement par les performeurs.

Bon, ceci étant dit, que retient-on quand on sort de Thèbes au temps de la fièvre jaune?

Le côté cryptique permet aux spectateurs de se concentrer sur autre chose. Il faut signaler que le public est divisé en deux rangées de gradins qui se font face. Les spectateurs sont assis sur trois niveaux : deux rangs sur les gradins et un rang par terre. L’espace du public est confiné, et l’on se retrouve imbriqués entre les pieds des autres spectacteurs. La scène au milieu est comme un long couloir rectangulaire sans coulisse. Cette disposition, ainsi que la performance proposée, rappellent le théâtre populaire médiéval. Tous ensemble, les spectateurs forment une sorte de communauté. On se regarde en même temps qu’on regarde ce qui se déroule sur scène. Ces coup d’œil, parfois complices, parfois fatigués, parfois critiques, rapprochent encore davantage les spectateurs, physiquement, et désormais mentalement. Nous sommes tous embarqués dans le même rite, dans la même expérience théâtrale.

Le spectacle propose d’assister à un certain nombre de danses rituelles, qui peuvent raccrocher certains spectateurs ; pour les autres, tant pis. L’éclairage parfois uniquement à la bougie, la circularité des danses, les grelots aux chevilles des performeurs sont autant d’éléments qui proposent une atmosphère très particulière, et peuvent rapprocher certaines personnes de l’état de transe dans lesquels les personnages et/ou les comédiens se trouvent. Dans ce cas, peu importe qu’on ne comprenne pas les mots : la langue danoise devient une sorte de formule magique qui envoûte et enchante. Cet effet se voit accentué par les râles, les bruits corporels, les respirations, les aboiements, qui, alors, plutôt que d’apparaître ridicules, ramènent le charnel au centre du rite.

Une chose est sûre, que l’on accroche ou non à ce spectacle qu’est Thèbes au temps de la fièvre jaune, on doit reconnaître qu’Eugenio Barba parvient à mettre le public dans un état d’esprit très particulier, et la troupe de l’Odin Teatret à proposer une expérience forte qui ne laisse pas indifférent.

Alice Clabaut