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Les visages de la douleur et du chaos sur la scène – Gabriel Federicci

Dans un décor minimaliste où seuls subsistent les décombres de la guerre, un jeune soldat révèle les blessures de son âme, les traumatismes de son expérience, et, submergé entre la douleur et le chaos, il dévoile les conséquences de sa survie, tout en traduisant l’ironie de la vie dans un monde réduit en cendres. C’est dans cet environnement sinistre, créé par la scénographie et les lumières de Seymour Laval, que le comédien Benjamin Voisin accueille son public au Théâtre Petit Saint-Martin. 

Guerre, adaptation du roman éponyme de Louis-Ferdinand Céline, a été transposé au théâtre sous forme de monologue. L’ambiance oscille entre l’existentialisme et le nihilisme, et cette atmosphère a été habilement captée par la mise en scène de Benoît Lavigne. Si la direction parvient à transposer l’univers particulier de Céline à travers les références littéraires, explorant les pulsions de vie et de mort, son véritable point fort réside dans sa capacité à éclairer les variations de l’âme qui résident en chaque être, surtout lorsqu’il est plongé dans les méandres de la mémoire et confronté à ses souvenirs, malgré ses pertes. En ce sens, l’auteur a fait de la maxime de Schiller « Quand l’âme parle, hélas ! l’âme ne parle plus » un moyen d’expression qui transcende les limites de la communication verbale, cet-à-dire de la pensée,  pour construire un tableau qui exprime visuellement le tourments de notre chair, comme une exposition de notre existence  fragmentée face à ce monde. 

Benjamin Voisin incarne plusieurs personnages évoqués par le souvenir du jeune soldat et les joue de manière caricaturale, parfois exagérée dans sa composition. Cependant, son récit est parfois teinté d’une certaine « distantiation » à la manière brechtienne, où il condense avec ironie les tourments qui découlent de la société, tout en exposant les masques qui nous entourent au moyen de gestes suggestifs. Ainsi, le grand atout du spectacle doit être attribué au travail du comédien, par son souffle et son élan dramatique, passant de la prétendue folie d’un jeune Hamlet aux limites de la lucidité face aux profondes réflexions que le texte suscite.

Dans ce jeu d’intensité, dans un contraste entre la lumière et les ténèbres, entre la conscience et l’inconscience, cette expérience révèle à quel point l’univers de l’adaptation d’un roman au théâtre est un défi, démontré ici par le succès de son langage scénique ainsi que par la vigueur de tous les éléments que nous avons eu le bonheur de voir sur scène.

Guerre est un écho poétique de tous ceux qui sont tombés entre les guerres, mais qui renaissent aujourd’hui dans les pages de l’histoire pour alimenter la flamme du soldat inconnu. 

© Théâtre de la Porte Saint-Martin
https://www.portestmartin.com/guerre

Gabriel Federicci

Le Cocon d’Arturo ou la découverte de soi-même- Gabriel Federicci

Une nouvelle chorégraphie envahit la scène du Théâtre du Rond Point, bien qu’il ne s’agisse pas d’un spectacle de danse. La pièce Misericordia d’Emma Dante, une production du légendaire Piccolo Teatro de Milano, est un tremplin de l’Italie vers la France, nous offrant une vue d’ensemble de la gestuelle précédant la parole elle-même, en route vers le développement d’un code de communication, y compris éthique, qui traverse les portraits de la misère, de la solidarité et de la place de l’homme dans le monde.

Arturo est un jeune orphelin, sous la garde indirecte de trois femmes, Bettina, Nuzza et Anna, qui assument informellement le rôle partagé de sa mère. Arturo ne parle pas, mais s’exprime par les mouvements de son corps et est soumis aux sons extérieurs, telle une marionnette dépendante des coordonnées du marionnettiste pour agir. C’est ainsi qu’Arturo communique et découvre progressivement le monde qui l’entoure. De cette façon, la présence féminine dans le spectacle nous rappelle la pièce L’Île des Chèvres d’Ugo Betti. Alors que là-bas, il y a une référence implicite à la dépendance des trois femmes à l’égard d’un homme, Angelo, en ce qui concerne la recherche de la présence masculine dans leur vie à tous égards, frôlant la possession; ici nous remarquons que les femmes, bien qu’indépendantes, comblent leur existence en transfusant des sentiments et des soins à Arturo, même si cette tâche n’est pas entièrement spontanée. À un moment donné, l’une d’elles dit : « Arturo n’aurait pas dû naître. »

Dans Misericordia, il est possible d’identifier la misère humaine et en même temps la compassion qui découle de l’acte d’un don nécessaire, comme il est impératif dans la vie elle-même. Il s’agit des affects qui se cultivent et s’établissent dans la co-dépendance au sein d’une société qui n’a pas encore défini son rôle et son contexte en tant qu’humanité. C’est le monde dans lequel vivent ces créatures.

En ce sens, Arturo traverse différentes phases jusqu’à sortir de son cocon et jouir de la liberté de découvrir qui il est vraiment, en prenant son envol vers l’avenir, indépendamment de ses limitations physiques. 

Ainsi, le processus scénique de cette mise en scène a été développé selon un langage non naturaliste, résultat d’improvisations dans l’esprit de la Commedia dell’Arte et d’une création collective mêlant diverses formes d’art pour créer un spectacle vivant qui exprime le sens italien d’être et d’agir, tout en démontrant l’universalité de l’homme dans le dépassement de ses frontières. 

Emma Dante, en tant que dramaturge et metteuse en scène, a su révéler la machine qui nous anime et nous provoque. La performance est parfois épuisante, mais cet inconfort découle précisément de l’impossibilité d’anticiper la dimension du hasard, qui, à certains moments, réorganise le conflit qui se déroule sur cette île presque silencieuse, où les bruits orchestrent les premiers gestes d’une expansion que seule l’art du comédien peut couronner. 

Gabriel Federicci